Simplemente un clásico. Era la hermana chica de la Nivea. No sé si tan antigua, pero sí como aquí comentan no deja de tener sus años.

Tus manos son tú  
mil veces al día
hacen tantas cosas
que nadie más hará

Tus manos son tú
son suaves, son duras
manos creadoras
manos de mujer

Con amor, con calor
con paciencia y pasión
son manos de mujer... 

Y volviendo a, curiosamente, revisitar artistas que ya tuvimos antes aquí, tenemos hoy en su Don Track a The Ramones. Se formaron en New York en 1974 y su influencia es innegable, tanto así que se les considera los primeros rockeros punk de la historia. Se podría decir que su vida como grupo estuvo plagada de giras permanentes, lo que llama la atención viendo que a pocos les daría el cuero para vivir permanentemente de gira. Tanto así que hasta su disolución en 1996, luego de dar su concierto de despedida en el festival de Lollapallooza de ese año, a ver, contemos... ¡22 años en giras!

Este tema, por cierto, es un cover de la versión original sacada a la calle por una banda llamada The Trashmen en 1963. Esta versión, salió como parte del disco Rocket to Russia de 1977. Lo menos que me hizo fue llamarme la atención. Lo notable del tema, con el sonido de los Ramones.

Disfrútelo.

Para algunos fueron mejores éstos, los Locomía originales. Para otros, musicalmente hablando, los 2.0. Y lo cierto es que hace un poco más de 5 años (¡5 años!) aquí mismo revisábamos ese punta de lanza del disco de 1993, "Party Time", ya con los nuevos integrantes, "Obsesiva" y su letra sin patas ni cabeza: "Es obsesiva / es industrial / es agresiva / es radical / es insaciable / es de metal..." ... guat da fak. Lo cierto fue que para muchos, y en especial para sus fans de ese entonces, y que no les encontraban nada de gae, los originales fueron los de verdad, los que dejaron patá y media con sus abanicos que los hicieron únicos en su época. Por el contrario, los de Obsesiva, fueron rápidamente rechazados.

Los Locomía originales se formaron en 1984, pero no fue sino hasta 1989, cuando comenzaron a hacer giras, que su popularidad explotó. En 1992, esta formación original se disolvió y del efímero intento de 1993, un bluff. Sorprendentemente, el grupo original se rejuntó en 1999, pero aparte del single "Samba Pasión" (que por estos lados, ni en pelea de perros) no pasó nada más y se disolvieron rápido. De ahí en adelante fue un juego de nuevas formaciones y, aunque no se crea, el grupo sigue activo gracias a que dos de sus integrantes originales, Xavier Font y Manuel Arjona, persisten en mantener el proyecto hasta el día de hoy. Los resultados...

De su disco "Locovox" de 1991, el track homónimo, pegote hasta decir basta y un batatazo en Viña del Mar al año siguiente.

Como me gustó tanto hacer la sección en video la vez anterior, esta vez será similar. Hace un tiempo que tenía ganas de comentar esto, así que hoy es el día.

CD-i Philips modelo 910 (http://en.wikipedia.org/wiki/Philips_CD-i)

Ya antes comentábamos un intento de llevar al Compact Cassette al mundo digital y que terminó penosamente. Sin embargo no fue lo único en lo que cayó la Philips que no le fue bien. También, en el mundo de los discos, y aprovechando la invención del CD en conjunto con Sony a inicios de los 80s, siguió pasando el tiempo, hasta que en 1986, en esa misma sociedad, nace el formato de disco CD-i. Este formato usaba como soporte los mismos CD pero ahora con otra orientación más que sólo contener música. Este, señores, no iba a ser un simple disco de música o de meros datos de computador. Es nada menos que un disco interactivo.

Era 1975 y una joven mujer de 25 años, Ángela Carrasco Rodríguez, llegaba a representar a "María Magdalena" en la versión en idioma español de Jesus Christ Superstar. Pero el camino de Ángela partió bastante antes. Nació en República Dominicana en 1950. Cuando niña estuvo muy ligada a lo musical y además a los estudios. Con sólo 13 años daba clases de guitarra en la academia de su padre. Luego de unos años, obtiene una beca para estudiar en España. Estuvo durante un año, primero coanimando, luego estable, en el show de TVE "¡Señoras y Señores!", espacio emitido en dicho país entre 1973 y 1976. Con esa experiencia, y el ánimo de su marido, se presentó al casting de Jesucristo Superestrella, obra que estaba bajo la producción de Camilo Sesto. Así, debuta oficialmente en el mundo de la música siendo parte de la banda sonora de la obra. Y producto de esto, Camilo Sesto y Ángela se conocen y comienzan una sociedad artística, producto de la cual salen a la calle cinco discos producidos y compuestos por Sesto y que resultaron todos ser superventas en Centro y Sudamérica.

Hoy en el Sonido AM tenemos el temón "Alguien como tú", incluido en el disco Dama del Caribe, de 1985. Cuchillos... ¡alejaos!

"Agita tu vida, agita Bliss / cambia tu forma de vivir / sé como eres..." Esa era la idea. Remecer una "escena", un mercado, donde los yoghurt estaban relegados a lo infantil. En eso estaba todo cuando aparece este yoghurt que, aunque imitando las botellas de leche de antaño, apuntaba a la juventud. Y la verdad es que era la pura imagen. El yoghurt siguió siendo un estandarte de los niños, con un carácter familiar. La respuesta del de al frente no tardó en aparecer y así nació el Smak de Soprole. Y más aún, como reconociendo que los consumidores de yoghurt seguían siendo los mismos, al poco tiempo aparece un tamaño de Bliss "familiar". Algo así como la Pilsener Cristal, que aunque en su publicidad apuntaba a los jóvenes, se veían, más que jóvenes, viejos consumiéndola. Viejos.

Yo consumía harto Bliss. No todos los días, ya que como buenos pobres no disponíamos de refrigerador, por lo que no podíamos guardar nada en frio, pero cada fin de semana era con hora feliz incluida, la que consistía en que cada producto que se ponía de moda me llegaba directo a la cama (¿ya dije que me metían a la cama por inviernos enteros?). Así conocí el Bliss, el Smak, el Requetegurt (con promoción de las Requetepatitas incluída), el Requetefrut (que no me gustaba tanto porque tenía fruta, aunque siempre, y hasta el día de hoy, los yoghurt con fruta han sido grito y plata), y tantos otros. Creo que un día me trajeron hasta Biovita. Si fuera niño el día de hoy probablemente me tendrían tapado a probióticos.

La publicidad de Bliss, que introduce el tamaño familiar, en el video a continuación.

Siempre he dicho que una suerte de "fetiche musical" mío es sentarme (en un buen sillón ojalá) a escuchar los discos completos. Y es así como se descubren joyitas. De esas que no se encuentran en un Greatest Hits, ni en los rankings, ni siquiera en discos single. Por alguna razón los discos antiguos traen menos de lo que muchos discos actuales, además de sonar como tarro, tienen de sobra: canciones relleno.

Este tema está incluido en el disco Super Trouper de 1980. Originalmente era la canción de al medio del lado B. La acompañaban temas mucho más conocidos y hits radiales como (obviamente) Super Trouper, The Winner Takes It All y Lay All Your Love on Me. En este disco ya se comenzaban a traspasar a las letras de las canciones los conflictos entre el grupo, como el ya ocurrido (un año atrás) divorcio de Björn y Agnetha (la rubia, a la que ya tuvimos por aquí hace unas semanas). Este fue el último disco que siguió la secuela de superventas indiscutidos de los setentas. El siguiente disco, The Visitors, publicado al año siguiente, a mi parecer fue un disco incomprendido. Ya, con ese disco, estaban abandonando definitivamente la orientación de "música feliz" para pasar a un pop más serio y con temáticas más serias. Es en este último disco de estudio en donde se notan definitivamente los roces y conflictos dentro del grupo en sus letras. Fue entonces cuando gran parte de sus fans se comenzaban a desencantar. Esto unido a los conflictos ya mencionados hizo que todo se acabara entrados los 80s.

Sigo creyendo que The Visitors era un disco filete. Pero por ahora nos quedamos con esta joyita.

Para hoy no hay una historia. De ésas que uno empieza escribiendo "Perico de los Palotes nació en 19-superviejo en Chuchunco City. Desde pequeño se interesó por la música hasta que vino un cabrón manager que descubrió sus talentos y así fue como grabó en el año 19-no-tan-viejo su primer disco, y yadá yadá yadá..." Hoy no hay de eso. Más bien no vale la pena. No es ninguna obra maestra de la música y hoy tal vez no sea el típico jueves-baile a los que estamos acostumbrados. Pero me suena a un tiempo en que todos se veían felices. Aún.

Y es 1997. Segunda mitad de los 90s. Tiempos de chicas tecno, de "1-2-3-¡RICA!" ...de esas cosas.

Eran comienzos de los 90s. En tiempos en que Pin Pon trataba de volver a las andadas tras casi 20 años, y que todo se volvía ashi shuper artishtico, es cuando aparece una joven y su loro. Una Katita y su loro de 1 metro.

Esta vez fue en vivo. Lo veré y veré y, si me gusta publicar esta sección así, lo seguiré haciendo.

Grabadora portatil de Tape Cartridge

Era 1958 y desde la RCA gringa, luego de 4 años de desarrollo, salía a la calle la primera manifestación de un nuevo formato. Aparecía el "Tape Cartridge" o también llamado "Magazine Loading Cartridge". Cualquiera que lo viera podría decir de inmediato "...pero si esto es un cassette". Y la verdad es que sí. Y si consideramos las características de este "primitivo" formato de audio, vemos que poco, aparte del tamaño, le tiene que envidiar a su contemporáneo, el Compact Cassette. Y es que el tamaño de este Tape Cartridge era prácticamente el de una mano de adulto (127 x 197 x 13 mm). Grandote.

Tape Cartridge

Para comenzar, fue el primer producto que ofreció mayor conveniencia que la aparatosa cinta reel. El ancho de esta cinta también era de 1/4 de pulgada pero, a diferencia del reel, esta cinta podía reproducirse por ambos lados, ya que se podían grabar dos pistas por lado y éstas se grababan alternadas a lo ancho de la cinta. Su tiempo máximo de reproducción era de 60 minutos (30 minutos por lado), el que podía duplicarse en modo monofónico. Incluso podía ser más versátil: algunos modelos aceptaban correr la cinta a la mitad de la velocidad, afectando la calidad de sonido para uso musical, pero aún ofreciendo una buena calidad de sonido para material hablado. Era perfecta para fines educacionales. Los "Tape Cartridge" tenían ventanas por donde ver cuánto quedaba de cinta en cada carrete. Tenían también protección anti grabado accidental. Habían algunas máquinas que al llegar al final de un lado de la cinta, comenzaban automáticamente a reproducir el lado contrario (¿le suena "autoreverse"?). Las cintas tenían una protección que inmovilizaba los carretes y evitaba que se soltara la cinta mientras no estuviera dentro de un reproductor (¿alguien dijo VHS, un invento de unos... 15 años después?). Obviando la calidad de sonido de esos tiempos, el tamaño del cassette y los materiales de los que estaba hecha la cinta... ¿tienen algo que envidiar estos "Tape Cartridge" a los Compact Cassette que usamos de manera frecuente hasta bien entrados los 90s e incluso comienzos de este siglo? Finalmente, eran asequibles en precio, el que según el promocional de RCA de la época (video más abajo) era similar al de un long-play.

Falló, pero no porque fuera un mal formato. Tenía la potencialidad de haber sido un estándar de facto. Desgraciadamente, la RCA fue lenta, tanto para fabricar las máquinas destinadas a uso casero (que cubrían desde grabadoras pequeñas hasta aparatos de alta fidelidad o "living stereo" como les llamaban en la época) como para licenciar contenidos para ser distribuidos en este formato. El resultado fue que este producto duró a la venta sólo hasta 1964, año en que fue descontinuado. Un año antes, aparecía en Europa el formato Compact Cassette, el que con el tiempo tomó muchas de las características del Tape Cartridge.

Yo cada vez que veo esto de verdad que pienso que la Philips no inventó nada. O casi.

Éste es el promocional de 1958:


Y ésta es una máquina grabadora "portatil" de Tape Cartridge en acción. Lo de "portatil" es entre comillas porque el peso de esta máquina no debe haber sido muy liviano, toda vez que a fines de los años 50s aún casi todo funcionaba con tubos al vacío, los cuales además eran sensibles al trajín, a diferencia de los aparatos transistorizados de años después, los que se consideraban de "estado sólido".


Y éste es otro aparato que, aunque no se muestra "en acción", era un modelo más grande.

Julio Iglesias. Otro personaje forrado en premios. En su carrera ha vendido 300 millones de discos a nivel mundial, con más de 2600 certificaciones de Disco de Oro y Disco de Platino, y con el hecho no menor (nada de menor en realidad) en ser el artista latino más vendedor de la historia de la música.

Julio José Iglesias de la Cueva, según su nombre civil, nació en 1943 en Madrid. Cuando joven jugó fútbol en las divisiones inferiores del Real Madrid... ¿pero cómo llegó a la música? Resulta que en 1963, luego de una fiesta con amigos, tuvo un accidente automovilístico que lesionó sus huesos y, como consecuencia directa, tuvo que dejar de lado todos sus sueños de ser futbolista profesional. Los médicos no le daban probabilidades de volver a caminar. Estuvo sin poder caminar durante dos años y fue durante este tiempo, no realizando más actividades que escribir poemas y escuchar radio, que un enfermero le regaló una guitarra con el objeto de que ejercitara sus manos. Entonces... guitarra... música... poemas... canciones. Y así nació Chocapic. 

Cuando se recuperó, viajó a Londres a aprender el idioma inglés. Posteriormente, fue a una disquera con la intención de ofrecer sus temas para que fueran interpretados por otros artistas. Julio los presentó cantándolos él mismo con guitarra. El gerente de la disquera oyó las canciones desde una cinta y le preguntó si acaso él mismo podría cantarlas. Julio se negó al principio, afirmando que él no era cantante. Así que aquí es donde encontramos la razón por la cual Julio, pese a que muchos opinan que canta mal, terminó de cantante: la apreciación del gerente de la disquera.

El debut artístico fue en 1968, en el Festival de Benidorm, en donde, con el tema "La vida sigue igual", ganó el primer premio. Y de ahí, exacto, no paró más.

El Sonido AM de esta semana llega del disco de 1979, "Emociones", y es el track que cierra el disco. Esta semana nos pusimos kitsch. A mucha honra.

Vitac, "la rica vitamina C". Nunca vi el comercial en la tele, pero sí escuché el jingle en la radio. Lo ponían mucho en la Radio Aurora y también en la Chilena. Y debo reconocer que odiaba con toda mi alma ese jingle. Lo encontraba insípido, superficial, chillón, como con la idea de "nosotros somos felices y vivimos la vida feliz hasta el invierno y tú no". Y era cierto: todos los inviernos, TODOS los inviernos vivía en cama y sólo me levantaba para ir a la escuela. La razón, según mi vieja, era que "no había plata pa' remedios". Y esa era la explicación. Aunque me regaloneaban harto. Podría decir que hasta demasiado.

Este comercial es de 1984 (sí, lo escribí entre paréntesis en el título del post, pero buaaaah...).

Alan Parsons es un músico, ingeniero de sonido y productor inglés nacido en 1948. Con ya participaciones en dos álbumes de The Beatles ("Abbey Road" y "Let It Be") además del disco "The Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd, en otras palabras, un currículum nada de despreciable, conoce en los mismos estudios Abbey Road a Eric Woolfson quien, con credenciales similares, también trabajaba en los mismos estudios, pero con proyectos distintos. Alan le propuso a Eric si podía ser su manager. Con esa "sociedad" colaboraron en trabajos de otros artistas como The Hollies, Ambrosia, John Miles y otros. Luego, a Woolfson se le ocurrió una forma de combinar los talentos de Parsons con los suyos y así nació "The Alan Parsons Project", en 1975 (o sea, como buen manager el cuento lo armó Woolfson... pero le puso el nombre de su "socio", de puro buena onda). La "sociedad" duró hasta 1990, tres años después de su último álbum, "Gaudi", y viendo ya como el éxito comercial iba decayendo. En total fueron 10 discos, siendo publicado el primero, "Tales of Mystery and Imagination", en 1976. Pudo haber un disco número 11 en 1990, "Freudiana", pero a Woolfson se le ocurrió que sería mejor idea transformarlo en un musical de tipo ópera rock.

Los discos de este grupo se caracterizaban por ser conceptuales y con una estructura más o menos definida: una intro instrumental que se desvanece para dar paso al primer tema, otro instrumental en la segunda mitad del disco y un tema "especial" que iba al final. La composición del grupo era en parte estable (Parsons y Woolfson) y además con contribuciones de músicos de sesión y vocalistas secundarios que iban rotando con el tiempo. Casi todas las canciones fueron compuestas por Parsons y Woolfson. Lo más extraño es que, aún con las influencias musicales, con el currículum que tenían en trabajos de otros grandes artistas compatriotas y todo lo demás, lograron más posiciones en los rankings fuera de Inglaterra que en su propio país.

Cuando la sociedad de Parsons y Woolfson se disuelve, Parsons arma su propio cuento con The Alan Parsons Live Project. 

Nuestro Don Track, "Days Are Numbers", es del disco de 1984, "Vulture Culture".

No es mucho lo que se pueda contar que no sea novedad del "rey del pop". Pero sí una pincelada de historia no viene mal.

Michael nace en 1958 en Indiana, EE. UU. Desde chico que se interesó por la música y aquí viene el cuento de los hermanos y yada, yada, yada... Michael, con sus hermanos, graban en 1967 un single con una disquera llamada Steeltown. Con ese antecedente y recomendados por Gladys Knight, afamada cantante de soul y por un productor llamado Bobby Taylor, audicionaron para Motown Records al año siguiente. Pero no fue la audición lo que convenció a Motown, o mejor dicho, a su dueño y jefe Berry Gordy, para contratarlos. Fue un videotape en que Michael versiona temas de James Brown... ¡con sólo 10 años de edad! Y al tiempo que "The Jackson Five", el grupo que como sabemos tenía con sus hermanos, grababa discos, él también hacía su carrera paralela en solitario. Luego, en 1975, las ventas de los Jackson Five comienzan a bajar, y aunque a Michael le iba bien en solitario, los hermanos comienzan a considerar producir sus propios temas, algo que a Gordy no le gustó y así dejaron Motown para luego firmar con Epic Records -filial de CBS- en 1975. Luego de unos años, Michael graba su primer disco como solista con Epic. La chispa que provocó este disco fue que Michael conoció, en una película en la cual participó como actor -"El Mago", remake de "El Mago de Oz"- al ya toda una leyenda entre los productores, Quincy Jones. El disco sale a la calle en 1979 como "Off The Wall" y el primer tema del disco es nuestro jueves-baile de esta semana: "Don't Stop 'Til You Get Enough". 

Todavía rulean los efectos visuales de esa época, al igual que los de Rock With You. Fines de los 70s. Sin computadores. Y Off The Wall es considerado hasta hoy como uno de los discos imprescindibles de la música disco. Aparte de movida, la música disco era bonita. Violines... en un tema bailable... inimaginable hoy.

En el anterior Prende la Tele toqué este tema en forma tan-gen-cial (como diría el Coco Legrand de los 80s). Y es que, aunque ya recurrente y practicamente infaltable en cualquier recuento, por no decir en la historia de la televisión chilena, está el show sabatino maratónico de toda una tarde en que se sucedían concurso tras cantante, tras sketch humorístico y luego otro concurso, y así sustantivamente. Las opciones que ofrecía la tele se contaban con los dedos de una mano, pero cuando sabías que ahí estaba el guatón de la diversión, no importaba nada. Cuatro canales al aire y uno le ganaba al resto por paliza. Lo demás simplemente no existía. Cada concurso tenía su sponsor y, aunque no era más que la dinámica que existía en los concursos de la tele gringa, Don Francisco le ponía su aliño. Fue el joven que despeinó la naciente y precaria televisión de los años 60s, luego de insistir e insistir y golpear una y otra vez la puerta del 13, y de ahí no paró más. Ya en los 80s, su época de oro se vio pavimentada por la llegada del color, para quienes tenían la suerte de tener un carísimo TV de ésos. La magia consistía en incorporar el factor emocional en los concursos. Tanto Don Francisco como el productor de esos años desclasificaron el secreto: nadie, nadie que fuera al programa a concursar por un premio grande, podía ir solo. La producción del programa se encargaba de conseguir que un familiar lo acompañara desde el público. Entonces cuando ese concursante se llevaba el gran premio, salía desde el público ese familiar a abrazarlo y a celebrar, y si más familiares lo acompañaban, mejor. Y si eso provocaba un episodio caótico frente a la cámara, mejor aún. En años difíciles, producto del fin del veranito económico del dolar a $39, mucha gente lo pasaba mal y el único analgésico era ese show de toda la tarde. Y veías el triunfo del estudiante, o de la dueña de casa, o del cesante, y sentías que te lo ganabas tú también.

Era el único programa que aunque lo vieras en un TV en blanco y negro, se veía a color.

Hoy, mirando la dinámica de estos concursos, es más o menos facil deducir por qué nunca fueron igualados en su época. Obviando el factor emocional, que ya lo expliqué, el "guatón copión" -como lo llamaba Pepito TV-, tenía más recursos que regalar un millón de pesos o una casa amoblada. Manejaba el tiempo, apurándolo o relajándolo a su antojo. Jugaba con el suspenso. Te hacía dudar. Te mantenía atento hasta el último resultado, para ver si se ganaba el premio o no. Era un tiempo en que el espectador se quedaba esperando a ver cómo el concursante ganaba y no cómo el concursante perdía. Era un morbo, pero un morbo sano, benigno, no como el de ahora. Y cuando eso sucedía, cuando el concursante perdía, uno también sentía un poco de pena. Porque el show lograba eso, identificarte con el que está en la pantalla y, así como cuando el concursante ganaba uno también sentía que se lo ganaba, cuando el concursante perdía en el último minuto uno también se quedaba un poco triste. Y habían concursantes que terminaban llorando en cámara, a veces porque lo perdieron todo, otras cuando el premio tuvo el poder de cambiar sus vidas de un día a otro.

Y así llegamos al extremo. Cuando los premios llegan a simbolizar un triunfo en la vida, el más grande obtenido jamás. Hay una anécdota que Don Francisco comentó un día en una entrevista y que nunca voy a olvidar. En uno de esos concursos en que en cada paso los premios se iban acumulando y cada vez el premio era más grande, hubo un concursante muy humilde que en su cuarto de hora de fama se lo ganó todo. Luego de un tiempo, Don Francisco fue a visitarlo. Vivía en condiciones muy humildes, pero tenía una pieza de madera que albergaba algo especial. Al entrar, ahí estaban los premios, en el mismo orden en el que estaban en el set de televisión. Sin uso, cual trofeos. Cuando el animador le preguntó a esta humilde persona el por qué, le respondió que eran los logros más importantes de su vida.

Esto posiblemente no sea mostrarles un raro y desconocido formato, de hecho no lo es, o talvez sí. El asunto es que el popular sistema de cassette de audio (o "Compact Cassette", su nombre formal), como algunos saben, fue inventado por la Philips y demostrado por primera vez en 1962 para luego ser lanzado al mercado en 1963. Y éste fue el primer aparato lanzado al mercado de forma comercial, como aparato inicialmente concebido para grabación de voz (dictado).

El italianísimo Salvatore Cutugno, mejor conocido por su nompre artístico, Toto Cutugno, nació en 1943 en Fosdinovo, Italia. Como muchos de su país... por no decir casi todos (y hasta puede que todos) los artistas de dicho país, su carrera partió como participante del Festival de San Remo (vaya que tenía peso ese festival) en 1976, junto a su banda de ese tiempo. Durante los 80s, termina 5 veces segundo y en 1990 gana Eurovisión. Ya al año siguiente comienza su faceta de presentador al animar junto a Gigliola Cinquetti, otra italiana de gran renombre, dicho festival. Más actualmente, se ha desempeñado como presentador de la cadena RAI Uno, al igual que otros tantos cantantes europeos que han pasado de la música a la tele.

La versión original en italiano de nuestro Sonido AM de esta semana ("Solo noi") le valió a Toto Cutugno el primer premio en San Remo en 1980, ya como cantante solista.

Pedazo de tema. Pedazo de Sonido AM.

Aunque en su momento vimos a Raúl Matas promocionando este café como si estuviera entre lo mejor que se puede conseguir, lo cierto es que Dolca fue siempre un secundario del practicamente emblema de Nestlé, el Nescafé. Y la incorporación de Dolca al "paraguas" de Nescafé es muy reciente. Antes de eso, Dolca corría por su propia pista, con su propia imágen. Lo que llama la atención es que en sus antiguos años se le denominaba "café torrado". Con un mínimo de investigación, resulta ser que el café torrado es un tipo de café elaborado que se obtiene de agregar en el proceso de tostado un 15% de azúcar como máximo. Así, el azúcar se derrite y se adhiere a los granos de café a temperaturas de 200 °C. Con esto, se creía que el café conservaría su aroma y sabor de mejor manera. Pero tal creencia terminó en eso, creencia. De todas formas, Dolca fue, y se podría decir que aún, un café bastante popular. Un café de clase media... media. Un café de medio pelo.

Esta es una compilación de comerciales con los que me he encontrado en YouTube de entre los años 1978 a 1988, donde este café se promociona como un café equilibrado y de buen sabor y aroma. El slogan fue cambiando con el tiempo ligeramente, primero "El otro café" en 1978, luego en 1982 "Todo un café", para seguir en 1987 como "El primer café" y terminar con el slogan que mantuvo por años, al menos hasta antes que llegó a convertirse en "Nescafé Dolca", "Un buen café", con quizá uno de los comerciales más recordados de este café, el de los periodistas, que mientras sacan el diario del día siguiente, toman todos este producto reconfortante.

Andrew Roy Gibb, mejor conocido por su nombre artístico, Andy Gibb, fue un cantante nacido en Manchester, Inglaterra, en 1958. A los 6 meses de nacido emigró con su familia a Queensland, Australia. Fue el "hermano chico" de Barry y los gemelos Robin y Maurice (fallecidos en 2012 y 2003 respectivamente). Estos últimos tres terminarían formando el recordado grupo The Bee Gees, cuya fama y relevancia estaría de más en comentar.

Después de armar su primera banda siendo adolescente, luego de irse en 1967 por un tiempo a Mann, una isla bajo el dominio de la Corona Británica, grabó años más tarde, en 1974, su primer single, "My Father Was a Reb", el cual sin embargo nunca fue editado. Luego vuelve a Australia con su familia el mismo año, tiempo para el cual The Bee Gees ya se proyectaba como grupo relevante y pensaron que la misma suerte podría tener su hermano menor en esas tierras, vistas como una suerte de "campo de práctica" artístico. Fue así como en 1975 graba y edita su primer single "Words and Music".

Pero su primer álbum salió a la calle en 1977, grabado en Miami, con el nombre de "Flowing Rivers". Y esto le dio pie para lanzar su primer single fuera de Australia, "I Just Want To Be Your Everything". Al año siguiente, en abril de 1978, lanza su segundo disco, "Shadow Dancing", del cual salen singles como el que será nuestro Don Track para esta semana, "(Our Love) Don't Throw It All Away", el cual alcanzó Disco de Oro en los EE. UU. y posiciones destacadas en otros países.

Luego de su tercer disco, "After Dark" de 1980, vino su decadencia, cayó en abuso de drogas y fue víctima de depresión. En 1988, mientras estaba preparando su nuevo disco y ya había celebrado su cumpleaños número 30, padece fuertes dolores de pecho, producto de una miocarditis que a su vez se vio agravada por su adicción a la cocaína, lo cual lo lleva a la muerte.

Cuando estás mal no te das cuenta de tus logros. Dicen.

Lionel Richie nació en 1949 en Alabama, EE. UU. Su carrera artística la comenzó formando varias bandas de R&B durante los 60s , para finalmente formar la recordada banda The Commodores, en la cual fue voz y saxofonista. En 1982, luego del gran éxito de The Commodores, Richie estima que ya es tiempo y deja la banda para comenzar su carrera en solitario. Su álbum debut como solista, homónimo, fue publicado en 1982. Al año siguiente lanza "Can't Slow Down", disco que contenía el emblemático "All Night Long", que interpretó en el cierre de los Juegos Olímpicos de 1984 en Los Ángeles.

Pero el jueves-baile de esta semana es de su tercer disco, "Dancing On The Ceiling", cuyo single del mismo nombre fue todo un suceso, además de "Say You, Say Me", otro memorable de Richie y que hace pensar a muchos que 1986 fue el año de la consolidación de su carrera.

Finalmente todos descubrimos (y ya era un truco usado desde antes) cómo le hacía para pararse sobre las paredes y el techo. Pero nadie repara en eso. Para qué matar la magia... no vale la pena. De hecho, ese efecto era tan genial como la canción misma, y al final todos se le unieron y movían la payasa sobre el techo como si nada.

Música que escuchábamos cuando chicos y que no muere. Ya van 27 años de esto. 27 años.

Ya alguna vez colgaba a la pasada un video del antiguo "¿Cuánto Vale el Show?" de comienzos de los '80s en Teleonce. Con Alejandro Chávez (padre) a la cabeza en la animación, fue un espacio para que ciudadanos cualquiera, como usted o como yo, que vivían su diaria rutina, tuvieran sus "sólo dos minutos" de fama. Pero había una versión "infantil" también. Eran también comienzos de los años '80s (exactamente 1980, según uno de los comentarios en YouTube) y con el mítico Ricardo Calderón como guaripola, el programa tenía la pretensión de hacer algo similar... pero por niños y para niños.

Y así como en aquellos tiempos, mientras el jurado de la versión "adulta" lo componían personajes conocidos como Andrea Tessa, Alvaro Salas, Yolanda Montecinos y Enrique Lafourcade, en la versión infantil también había jurados, obviamente. Uno de ellos era Emilio Antilef, quién terminó siendo un "niño símbolo" de la tele a color y que se hizo famoso por sus poemas y por ser un "superdotado". Otra era Paloma, la hija de la actriz Schlomit Baytelman que también por esos días, y siguiendo a su mami, le picaba el bichito por la tele y se metió de jurado, cual si de figura consagrada se tratara. El premio para los concursantes no era plata. Los jurados regalaban chocolates. ¡Chocolates! Y tenían opinión. Especialmente Emilio, quien opinaba cual si fuera un adulto y emitía sus propias apreciaciones... que le falta mejorar, que no canta tan afinadito, que siga practicando... sin mencionar su manera singular de leer sus poemas. En fin, cosas como ésas. Notar que Emilio está vestido con un buzo que lleva el logo de "La Tarde Grande", programa que iba los sábados en la tarde al igual que Sábados Gigantes y que pretendió ser un emblema del naciente "Teleonce". De todos modos, no pasaría mucho tiempo para que el niño símbolo de la tele se pasara al show sabatino del "guatón copión", como "amistosamente" Fernando Alarcón, personificado de "Pepito TV" y con su colorido vestuario llamaba a Don Francisco en el Jappening con Ja. Y fue en Sábados Gigantes en donde Emilio estuvo en la cresta de la ola.

Hoy Emilio, luego de su anonimato posterior y de su crisis que le valió varias sesiones con el psiquiatra luego de unos años, es periodista y escritor. Paloma, experta en redes sociales y comunicación digital, fue una de las que ralló la papa a mediados de la década pasada con el boom de los blogs. Ricardo, vende rentas vitalicias en infomerciales de bajo presupuesto. Y esta antigua versión infantil incluso se replicó en Venezuela, con el mismo jingle y todo... pero ése es otro cuento. Todavía, por cierto, hay venezolanos que juran de guata que el "¿Cuánto Vale el Show?", tanto "normal" como infantil, es un invento de esos lados.

Y los videos los subió Paloma. Era que no.

Logo del DCC (fines ilustrativos)

Para escribir de esta tecnología tendría que recordar cuando, para Navidad del año '94, mi viejo llegó a casa con un catálogo de electrónica de consumo de Philips. Lo usual: las nuevas líneas de productos para el próximo año y además un par de "nuevos productos". Esos eran el CD-i (un tipo de CD interactivo del cual probablemente escriba algún día) y un nuevo formato de cassette de audio: el DCC, siglas de "Digital Compact Cassette". Hoy me detengo en este último.

Cassette DCC con cinta y carretes expuestos

El nombre se cae de obvio y deja en completa evidencia que Philips lo pensó como un sucesor del Compact Cassette (abreviado "CC" o simplemente "cassette" para los amigos), introducido por la firma holandesa en 1963 como una tecnología basada en cinta magnética inicialmente para grabación de voz. Y como sucesor del popular cassette, tuvo retrocompatibilidad aunque "a medias" con los cassettes analógicos, ya que un reproductor de DCC permitía reproducirlos, pero no grabarlos. Esto permitía al menos al usuario no "desechar" su colección de cassettes para subirse a la nueva tecnología.

El escenario electrónico por esos tiempos ya pensaba en qué nueva tecnología sería la sucesora del popular cassette de audio. Y es que el DCC no corría solo: estaban también el MiniDisc de Sony (también de 1992) y el DAT ("Digital Audio Tape"), también de Sony, pero introducido algunos años antes, en 1987. De hecho, en ese tiempo, entre el '92 y el '94 mi viejo trabajaba de guardia en la EMI Odeón Chilena (creo que ya he dicho varias veces eso...) y le tocó ver un DAT "en acción". Según cuenta, la calidad de sonido era muy superior a cualquier formato antes escuchado, a la par de un CD audio (dependiendo claro, de la calidad de sonido seleccionada al grabar el DAT). Tanto así que, ingenuamente, después de comprarse el Aiwa NSX-250, con la novedad del CD, pensaba a futuro comprar un reproductor DAT. Iluso. Por cierto, ese minicomponente salió pésimo (aún antes que Aiwa fuera comprada por Sony).

Reproductor DCC de sobremesa (http://www.dutchaudioclassics.nl)

Volviendo a nuestro DCC, fue un formato que, al menos tímidamente, se asomó por estos lados. Este formato usaba cabezales fijos, sí, al igual que los cassettes de toda la vida. Y además de esto, el DCC se parecía en varias cosas más al CC: el ancho de la cinta, el tamaño del cassette, la velocidad de lectura de la cinta e incluso la capacidad teórica, que era de 120 minutos, al igual que algunos cassettes análogos de rara fabricación. Pero, a diferencia del cassette análogo, obviando que almacena información binaria, el DCC era multipista (8 pistas por lado más una pista por lado como pista de control o datos de texto). La cinta estaba protegida por una pieza metálica que se deslizaba para dejar al descubierto, además de la cinta, el acceso a los carretes. Los DCC se cargaban en una bandeja, similar a la de los CDs, aunque en los modelos portátiles sólo se levantaba la tapa. Finalmente, y a diferencia del cassette análogo, el DCC era plano, sin esa parte ancha en el área de la cinta que conocemos en el cassette tradicional.

Reproductor DCC portatil (http://www.dutchaudioclassics.nl)

Pero no todo es color de rosa. Obviamente que hay cosas que no son tan buenas respecto a este formato. Para comenzar, y a diferencia del CD audio, al grabar en DCC se aplicaba compresión con pérdida y la razón de compresión era de 1:4, aunque esto lo dejaba relativamente bien parado frente al MiniDisc que comprimía a razón de 1:5. Ambas compresiones se basaban en la percepción sonora humana, al igual que en el formato que algunos años después fuera el omnipresente mp3. La otra desventaja era que, al permitír sólo reproducción de cassettes análogos (y no grabarlos), dejaba de manos atadas al usuario, que sólo tenía como opción grabar en formato DCC. Y claro, aparte de caras que eran las cintas y los reproductores/grabadores, tenían un sistema anticopia que limitaba el número de copias posibles de realizar (comúnmente admitía sólo copiar una vez). Esto fue una lástima, ya que el algoritmo de compresión era tan bueno que detectaba la fuente descomprimida (ya filtrada) y como no encontraba nada que filtrar, la grababa con la misma calidad en el soporte de destino. Pero esto nunca fue posible. Tal como en el mundo las religiones lo arruinan todo, en la tecnología nuestro amigo copyright también. Sumemos a todo esto que, al igual que el CC, tiene las desventajas de este último: es un medio de contacto, por lo tanto es susceptible a deterioro por el uso, además de ser de acceso secuencial, a diferencia del CD e incluso el MiniDisc que son de acceso aleatorio (lo que en simple significa que es posible llegar a cualquier punto en segundos o fracción, mientras que en una cinta hay que recorrer todo lo que falta para llegar al punto de la grabación que nos interesa).

Es fácil imaginar que las ventas no fueron las proyectadas y el DCC en 1996 fue a parar al cielo de los formatos no comprendidos. Finalmente Philips reconoce su derrota en favor del MiniDisc, e incluso compra la licencia para fabricarlos. Aunque personalmente nunca vi un MiniDisc que no fuera de Sony. De todas formas, hoy estos dos formatos están más que en desuso. Curiosamente, el DAT, que es un formato más antiguo, aunque tampoco se vendió bien, fue una tecnología muy usada en broadcasting y en usos más o menos profesionales en su tiempo. No sé si ahora seguirán con eso.

Finalmente, algunos videos...

Promo en inglés (1992?)


Y una máquina de DCC en acción

Albert Hammond nació en Londres en 1944. Sus primeras incursiones en la música las desarrolló como parte de la banda "The Diamond Boys". No pasó mucho con ellos, pero sí le sirvió para meterse en la escena española, y de ahí que en la práctica haya desarrollado dos carreras artísticas que se podría decir que fueron en paralelo: la en inglés y la en español. Sus primeras actuaciones en España las realizó en el Circo Teatro Price, en la primera mitad de los años 60s. Tuvo un colaborador frecuente durante los años 70s, el compositor Mike Hazlewood, con el cual llegó a escribir canciones para otros artistas, siendo un ícono de esa época (entre otros) el tema "The Air That I Breathe" para The Hollies, canción que también grabó él mismo en español (como "Necesito poder respirar", gran temón también). Así, a la par que se trasladaba a los Estados Unidos y obtenía éxitos con sus grabaciones setenteras, también hace lo mismo mirando hacia el mercado hispano parlante con la ayuda de un productor hispano-cubano llamado Óscar Gómez, con el que crearon versiones en español de algunos de sus éxitos previos. Las colaboraciones para otros artistas continuaron y estuvo detrás de temas como "Nothing Gonna Stop Us Now", un éxito para Starship. En 1999 la Reina Isabel II de Inglaterra lo condecoró Caballero de la Órden del Imperio Británico (lo que implica que le podemos llamar "Sir" Albert Hammond). Como curiosidades, fue invitado en los años 70s por TVN para cerrar una edición de 60 Minutos, y su hijo, Albert Hammond Jr., forma parte como guitarrista de la banda The Strokes.

El Sonido AM de esta semana, personalmente, no lo había escuchado en años.

Caja de Nestúm de fines de los años '70. Notar la leyenda de la caja al pie: "para toda la familia".

No es necesario decirlo: Nestum es uno de los emblemáticos de Nestlé. No a la altura del Nescafé y la leche Nido, claro. Pero hay algo que me llamó la atención el día que ví este comercial por primera vez (por allá por el... ¿'97?): siempre habíamos visto a Nestum (al menos gente de mi edad hacia abajo) que se trata de un cereal para guaguas. Un cereal para preparar la papilla. Pero resulta ser que este comercial de fines de los 70s presenta a Nestum como alimento para escolares. Todo esto, antes de los "cereales para el desayuno" que lanzara Nestlé a mediados de los '80s por estos lados y que, aún en esos tiempos, eran vistos como una novedad. En esa camada de cereales nacían Crepitas, Chocapic, Estrellitas, Cornflakes y Copos de Oro. De esos 5, sólo 2 sobreviven al día de hoy, Estrellitas y Chocapic, que con el tiempo hasta se consiguieron su propia mascota cada uno. Crepitas y Copos de Oro, pa' la casa. Y de los Cornflakes... se podría decir que Kellogg's simplemente les ganó.

Cereales para el desayuno Néstle "Buenos días, Energía!", años '80.

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White Lion fue una banda danesa/americana heavy metal fundada en 1983. Mike Tramp de vocalista, junto con Vito Bratta, que habían sido parte de otras bandas y no les había ido bien en el camino, reclutaron a Felix Robinson como bajista y a Dave Capozzi como batero. Con esa formación debutaron en 1984 con su primer disco de estudio, "Fight To Survive". Pero el producto final no les gustó y se negaron a lanzarlo. Entonces su disquera, Elektra Records, se vio en la penosa única opción que era decirles... hasta aquí no más llegamos. Finalmente el disco vio la luz bajo RCA el mismo año.

Pero el Don Track de esta semana es de su segundo disco, "Pride", de 1987, aunque fue hit un año después. Y no es nada de heavy metal.  Para este tiempo ya tenían nuevo bajista (James LoMenzo) y batero (Greg D'Angelo). 1988. Una canción que habla de las nuevas generaciones, los niños, que llegan a este mundo a sólo ver en lo que las actuales generaciones lo han convertido, y que tienen la posibilidad y el camino hacia adelante para crear un mundo mejor y unido. Leo la letra y me pregunto como shusha un grupo de rockeros pudieron haber escrito algo tan... emotivo.

 Todo el permiso para sacar pañuelos.




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The Brothers Johnson. Como lo insinúa al menos, los integrantes son hermanos (¡wow, qué inteligencia, Chavo, qué inteligente te has vuelto últimamente!). George y Louis E. Johnson . Luego de haber compartido giras con varios artistas de la época durante la primera mitad de los 70s, fundan la banda en 1975 y son contratados por el productor Quincy Jones (activo hasta la actualidad) que, además de haberlos llevado a actuar a Japón, les dio la oportunidad de grabar su primer disco, "Look Out For #1", en 1976.

Este temón es de su disco "Light Up The Night" de 1980. Mueva la payasa y hágase shirpe bailando.



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