"Agita tu vida, agita Bliss / cambia tu forma de vivir / sé como eres..." Esa era la idea. Remecer una "escena", un mercado, donde los yoghurt estaban relegados a lo infantil. En eso estaba todo cuando aparece este yoghurt que, aunque imitando las botellas de leche de antaño, apuntaba a la juventud. Y la verdad es que era la pura imagen. El yoghurt siguió siendo un estandarte de los niños, con un carácter familiar. La respuesta del de al frente no tardó en aparecer y así nació el Smak de Soprole. Y más aún, como reconociendo que los consumidores de yoghurt seguían siendo los mismos, al poco tiempo aparece un tamaño de Bliss "familiar". Algo así como la Pilsener Cristal, que aunque en su publicidad apuntaba a los jóvenes, se veían, más que jóvenes, viejos consumiéndola. Viejos.

Yo consumía harto Bliss. No todos los días, ya que como buenos pobres no disponíamos de refrigerador, por lo que no podíamos guardar nada en frio, pero cada fin de semana era con hora feliz incluida, la que consistía en que cada producto que se ponía de moda me llegaba directo a la cama (¿ya dije que me metían a la cama por inviernos enteros?). Así conocí el Bliss, el Smak, el Requetegurt (con promoción de las Requetepatitas incluída), el Requetefrut (que no me gustaba tanto porque tenía fruta, aunque siempre, y hasta el día de hoy, los yoghurt con fruta han sido grito y plata), y tantos otros. Creo que un día me trajeron hasta Biovita. Si fuera niño el día de hoy probablemente me tendrían tapado a probióticos.

La publicidad de Bliss, que introduce el tamaño familiar, en el video a continuación.

Siempre he dicho que una suerte de "fetiche musical" mío es sentarme (en un buen sillón ojalá) a escuchar los discos completos. Y es así como se descubren joyitas. De esas que no se encuentran en un Greatest Hits, ni en los rankings, ni siquiera en discos single. Por alguna razón los discos antiguos traen menos de lo que muchos discos actuales, además de sonar como tarro, tienen de sobra: canciones relleno.

Este tema está incluido en el disco Super Trouper de 1980. Originalmente era la canción de al medio del lado B. La acompañaban temas mucho más conocidos y hits radiales como (obviamente) Super Trouper, The Winner Takes It All y Lay All Your Love on Me. En este disco ya se comenzaban a traspasar a las letras de las canciones los conflictos entre el grupo, como el ya ocurrido (un año atrás) divorcio de Björn y Agnetha (la rubia, a la que ya tuvimos por aquí hace unas semanas). Este fue el último disco que siguió la secuela de superventas indiscutidos de los setentas. El siguiente disco, The Visitors, publicado al año siguiente, a mi parecer fue un disco incomprendido. Ya, con ese disco, estaban abandonando definitivamente la orientación de "música feliz" para pasar a un pop más serio y con temáticas más serias. Es en este último disco de estudio en donde se notan definitivamente los roces y conflictos dentro del grupo en sus letras. Fue entonces cuando gran parte de sus fans se comenzaban a desencantar. Esto unido a los conflictos ya mencionados hizo que todo se acabara entrados los 80s.

Sigo creyendo que The Visitors era un disco filete. Pero por ahora nos quedamos con esta joyita.

Para hoy no hay una historia. De ésas que uno empieza escribiendo "Perico de los Palotes nació en 19-superviejo en Chuchunco City. Desde pequeño se interesó por la música hasta que vino un cabrón manager que descubrió sus talentos y así fue como grabó en el año 19-no-tan-viejo su primer disco, y yadá yadá yadá..." Hoy no hay de eso. Más bien no vale la pena. No es ninguna obra maestra de la música y hoy tal vez no sea el típico jueves-baile a los que estamos acostumbrados. Pero me suena a un tiempo en que todos se veían felices. Aún.

Y es 1997. Segunda mitad de los 90s. Tiempos de chicas tecno, de "1-2-3-¡RICA!" ...de esas cosas.

Eran comienzos de los 90s. En tiempos en que Pin Pon trataba de volver a las andadas tras casi 20 años, y que todo se volvía ashi shuper artishtico, es cuando aparece una joven y su loro. Una Katita y su loro de 1 metro.

Esta vez fue en vivo. Lo veré y veré y, si me gusta publicar esta sección así, lo seguiré haciendo.

Grabadora portatil de Tape Cartridge

Era 1958 y desde la RCA gringa, luego de 4 años de desarrollo, salía a la calle la primera manifestación de un nuevo formato. Aparecía el "Tape Cartridge" o también llamado "Magazine Loading Cartridge". Cualquiera que lo viera podría decir de inmediato "...pero si esto es un cassette". Y la verdad es que sí. Y si consideramos las características de este "primitivo" formato de audio, vemos que poco, aparte del tamaño, le tiene que envidiar a su contemporáneo, el Compact Cassette. Y es que el tamaño de este Tape Cartridge era prácticamente el de una mano de adulto (127 x 197 x 13 mm). Grandote.

Tape Cartridge

Para comenzar, fue el primer producto que ofreció mayor conveniencia que la aparatosa cinta reel. El ancho de esta cinta también era de 1/4 de pulgada pero, a diferencia del reel, esta cinta podía reproducirse por ambos lados, ya que se podían grabar dos pistas por lado y éstas se grababan alternadas a lo ancho de la cinta. Su tiempo máximo de reproducción era de 60 minutos (30 minutos por lado), el que podía duplicarse en modo monofónico. Incluso podía ser más versátil: algunos modelos aceptaban correr la cinta a la mitad de la velocidad, afectando la calidad de sonido para uso musical, pero aún ofreciendo una buena calidad de sonido para material hablado. Era perfecta para fines educacionales. Los "Tape Cartridge" tenían ventanas por donde ver cuánto quedaba de cinta en cada carrete. Tenían también protección anti grabado accidental. Habían algunas máquinas que al llegar al final de un lado de la cinta, comenzaban automáticamente a reproducir el lado contrario (¿le suena "autoreverse"?). Las cintas tenían una protección que inmovilizaba los carretes y evitaba que se soltara la cinta mientras no estuviera dentro de un reproductor (¿alguien dijo VHS, un invento de unos... 15 años después?). Obviando la calidad de sonido de esos tiempos, el tamaño del cassette y los materiales de los que estaba hecha la cinta... ¿tienen algo que envidiar estos "Tape Cartridge" a los Compact Cassette que usamos de manera frecuente hasta bien entrados los 90s e incluso comienzos de este siglo? Finalmente, eran asequibles en precio, el que según el promocional de RCA de la época (video más abajo) era similar al de un long-play.

Falló, pero no porque fuera un mal formato. Tenía la potencialidad de haber sido un estándar de facto. Desgraciadamente, la RCA fue lenta, tanto para fabricar las máquinas destinadas a uso casero (que cubrían desde grabadoras pequeñas hasta aparatos de alta fidelidad o "living stereo" como les llamaban en la época) como para licenciar contenidos para ser distribuidos en este formato. El resultado fue que este producto duró a la venta sólo hasta 1964, año en que fue descontinuado. Un año antes, aparecía en Europa el formato Compact Cassette, el que con el tiempo tomó muchas de las características del Tape Cartridge.

Yo cada vez que veo esto de verdad que pienso que la Philips no inventó nada. O casi.

Éste es el promocional de 1958:


Y ésta es una máquina grabadora "portatil" de Tape Cartridge en acción. Lo de "portatil" es entre comillas porque el peso de esta máquina no debe haber sido muy liviano, toda vez que a fines de los años 50s aún casi todo funcionaba con tubos al vacío, los cuales además eran sensibles al trajín, a diferencia de los aparatos transistorizados de años después, los que se consideraban de "estado sólido".


Y éste es otro aparato que, aunque no se muestra "en acción", era un modelo más grande.

Julio Iglesias. Otro personaje forrado en premios. En su carrera ha vendido 300 millones de discos a nivel mundial, con más de 2600 certificaciones de Disco de Oro y Disco de Platino, y con el hecho no menor (nada de menor en realidad) en ser el artista latino más vendedor de la historia de la música.

Julio José Iglesias de la Cueva, según su nombre civil, nació en 1943 en Madrid. Cuando joven jugó fútbol en las divisiones inferiores del Real Madrid... ¿pero cómo llegó a la música? Resulta que en 1963, luego de una fiesta con amigos, tuvo un accidente automovilístico que lesionó sus huesos y, como consecuencia directa, tuvo que dejar de lado todos sus sueños de ser futbolista profesional. Los médicos no le daban probabilidades de volver a caminar. Estuvo sin poder caminar durante dos años y fue durante este tiempo, no realizando más actividades que escribir poemas y escuchar radio, que un enfermero le regaló una guitarra con el objeto de que ejercitara sus manos. Entonces... guitarra... música... poemas... canciones. Y así nació Chocapic. 

Cuando se recuperó, viajó a Londres a aprender el idioma inglés. Posteriormente, fue a una disquera con la intención de ofrecer sus temas para que fueran interpretados por otros artistas. Julio los presentó cantándolos él mismo con guitarra. El gerente de la disquera oyó las canciones desde una cinta y le preguntó si acaso él mismo podría cantarlas. Julio se negó al principio, afirmando que él no era cantante. Así que aquí es donde encontramos la razón por la cual Julio, pese a que muchos opinan que canta mal, terminó de cantante: la apreciación del gerente de la disquera.

El debut artístico fue en 1968, en el Festival de Benidorm, en donde, con el tema "La vida sigue igual", ganó el primer premio. Y de ahí, exacto, no paró más.

El Sonido AM de esta semana llega del disco de 1979, "Emociones", y es el track que cierra el disco. Esta semana nos pusimos kitsch. A mucha honra.

Vitac, "la rica vitamina C". Nunca vi el comercial en la tele, pero sí escuché el jingle en la radio. Lo ponían mucho en la Radio Aurora y también en la Chilena. Y debo reconocer que odiaba con toda mi alma ese jingle. Lo encontraba insípido, superficial, chillón, como con la idea de "nosotros somos felices y vivimos la vida feliz hasta el invierno y tú no". Y era cierto: todos los inviernos, TODOS los inviernos vivía en cama y sólo me levantaba para ir a la escuela. La razón, según mi vieja, era que "no había plata pa' remedios". Y esa era la explicación. Aunque me regaloneaban harto. Podría decir que hasta demasiado.

Este comercial es de 1984 (sí, lo escribí entre paréntesis en el título del post, pero buaaaah...).

Alan Parsons es un músico, ingeniero de sonido y productor inglés nacido en 1948. Con ya participaciones en dos álbumes de The Beatles ("Abbey Road" y "Let It Be") además del disco "The Dark Side Of The Moon" de Pink Floyd, en otras palabras, un currículum nada de despreciable, conoce en los mismos estudios Abbey Road a Eric Woolfson quien, con credenciales similares, también trabajaba en los mismos estudios, pero con proyectos distintos. Alan le propuso a Eric si podía ser su manager. Con esa "sociedad" colaboraron en trabajos de otros artistas como The Hollies, Ambrosia, John Miles y otros. Luego, a Woolfson se le ocurrió una forma de combinar los talentos de Parsons con los suyos y así nació "The Alan Parsons Project", en 1975 (o sea, como buen manager el cuento lo armó Woolfson... pero le puso el nombre de su "socio", de puro buena onda). La "sociedad" duró hasta 1990, tres años después de su último álbum, "Gaudi", y viendo ya como el éxito comercial iba decayendo. En total fueron 10 discos, siendo publicado el primero, "Tales of Mystery and Imagination", en 1976. Pudo haber un disco número 11 en 1990, "Freudiana", pero a Woolfson se le ocurrió que sería mejor idea transformarlo en un musical de tipo ópera rock.

Los discos de este grupo se caracterizaban por ser conceptuales y con una estructura más o menos definida: una intro instrumental que se desvanece para dar paso al primer tema, otro instrumental en la segunda mitad del disco y un tema "especial" que iba al final. La composición del grupo era en parte estable (Parsons y Woolfson) y además con contribuciones de músicos de sesión y vocalistas secundarios que iban rotando con el tiempo. Casi todas las canciones fueron compuestas por Parsons y Woolfson. Lo más extraño es que, aún con las influencias musicales, con el currículum que tenían en trabajos de otros grandes artistas compatriotas y todo lo demás, lograron más posiciones en los rankings fuera de Inglaterra que en su propio país.

Cuando la sociedad de Parsons y Woolfson se disuelve, Parsons arma su propio cuento con The Alan Parsons Live Project. 

Nuestro Don Track, "Days Are Numbers", es del disco de 1984, "Vulture Culture".

No es mucho lo que se pueda contar que no sea novedad del "rey del pop". Pero sí una pincelada de historia no viene mal.

Michael nace en 1958 en Indiana, EE. UU. Desde chico que se interesó por la música y aquí viene el cuento de los hermanos y yada, yada, yada... Michael, con sus hermanos, graban en 1967 un single con una disquera llamada Steeltown. Con ese antecedente y recomendados por Gladys Knight, afamada cantante de soul y por un productor llamado Bobby Taylor, audicionaron para Motown Records al año siguiente. Pero no fue la audición lo que convenció a Motown, o mejor dicho, a su dueño y jefe Berry Gordy, para contratarlos. Fue un videotape en que Michael versiona temas de James Brown... ¡con sólo 10 años de edad! Y al tiempo que "The Jackson Five", el grupo que como sabemos tenía con sus hermanos, grababa discos, él también hacía su carrera paralela en solitario. Luego, en 1975, las ventas de los Jackson Five comienzan a bajar, y aunque a Michael le iba bien en solitario, los hermanos comienzan a considerar producir sus propios temas, algo que a Gordy no le gustó y así dejaron Motown para luego firmar con Epic Records -filial de CBS- en 1975. Luego de unos años, Michael graba su primer disco como solista con Epic. La chispa que provocó este disco fue que Michael conoció, en una película en la cual participó como actor -"El Mago", remake de "El Mago de Oz"- al ya toda una leyenda entre los productores, Quincy Jones. El disco sale a la calle en 1979 como "Off The Wall" y el primer tema del disco es nuestro jueves-baile de esta semana: "Don't Stop 'Til You Get Enough". 

Todavía rulean los efectos visuales de esa época, al igual que los de Rock With You. Fines de los 70s. Sin computadores. Y Off The Wall es considerado hasta hoy como uno de los discos imprescindibles de la música disco. Aparte de movida, la música disco era bonita. Violines... en un tema bailable... inimaginable hoy.

En el anterior Prende la Tele toqué este tema en forma tan-gen-cial (como diría el Coco Legrand de los 80s). Y es que, aunque ya recurrente y practicamente infaltable en cualquier recuento, por no decir en la historia de la televisión chilena, está el show sabatino maratónico de toda una tarde en que se sucedían concurso tras cantante, tras sketch humorístico y luego otro concurso, y así sustantivamente. Las opciones que ofrecía la tele se contaban con los dedos de una mano, pero cuando sabías que ahí estaba el guatón de la diversión, no importaba nada. Cuatro canales al aire y uno le ganaba al resto por paliza. Lo demás simplemente no existía. Cada concurso tenía su sponsor y, aunque no era más que la dinámica que existía en los concursos de la tele gringa, Don Francisco le ponía su aliño. Fue el joven que despeinó la naciente y precaria televisión de los años 60s, luego de insistir e insistir y golpear una y otra vez la puerta del 13, y de ahí no paró más. Ya en los 80s, su época de oro se vio pavimentada por la llegada del color, para quienes tenían la suerte de tener un carísimo TV de ésos. La magia consistía en incorporar el factor emocional en los concursos. Tanto Don Francisco como el productor de esos años desclasificaron el secreto: nadie, nadie que fuera al programa a concursar por un premio grande, podía ir solo. La producción del programa se encargaba de conseguir que un familiar lo acompañara desde el público. Entonces cuando ese concursante se llevaba el gran premio, salía desde el público ese familiar a abrazarlo y a celebrar, y si más familiares lo acompañaban, mejor. Y si eso provocaba un episodio caótico frente a la cámara, mejor aún. En años difíciles, producto del fin del veranito económico del dolar a $39, mucha gente lo pasaba mal y el único analgésico era ese show de toda la tarde. Y veías el triunfo del estudiante, o de la dueña de casa, o del cesante, y sentías que te lo ganabas tú también.

Era el único programa que aunque lo vieras en un TV en blanco y negro, se veía a color.

Hoy, mirando la dinámica de estos concursos, es más o menos facil deducir por qué nunca fueron igualados en su época. Obviando el factor emocional, que ya lo expliqué, el "guatón copión" -como lo llamaba Pepito TV-, tenía más recursos que regalar un millón de pesos o una casa amoblada. Manejaba el tiempo, apurándolo o relajándolo a su antojo. Jugaba con el suspenso. Te hacía dudar. Te mantenía atento hasta el último resultado, para ver si se ganaba el premio o no. Era un tiempo en que el espectador se quedaba esperando a ver cómo el concursante ganaba y no cómo el concursante perdía. Era un morbo, pero un morbo sano, benigno, no como el de ahora. Y cuando eso sucedía, cuando el concursante perdía, uno también sentía un poco de pena. Porque el show lograba eso, identificarte con el que está en la pantalla y, así como cuando el concursante ganaba uno también sentía que se lo ganaba, cuando el concursante perdía en el último minuto uno también se quedaba un poco triste. Y habían concursantes que terminaban llorando en cámara, a veces porque lo perdieron todo, otras cuando el premio tuvo el poder de cambiar sus vidas de un día a otro.

Y así llegamos al extremo. Cuando los premios llegan a simbolizar un triunfo en la vida, el más grande obtenido jamás. Hay una anécdota que Don Francisco comentó un día en una entrevista y que nunca voy a olvidar. En uno de esos concursos en que en cada paso los premios se iban acumulando y cada vez el premio era más grande, hubo un concursante muy humilde que en su cuarto de hora de fama se lo ganó todo. Luego de un tiempo, Don Francisco fue a visitarlo. Vivía en condiciones muy humildes, pero tenía una pieza de madera que albergaba algo especial. Al entrar, ahí estaban los premios, en el mismo orden en el que estaban en el set de televisión. Sin uso, cual trofeos. Cuando el animador le preguntó a esta humilde persona el por qué, le respondió que eran los logros más importantes de su vida.